日本装饰画大师

日本装饰画大师

日本的文化介绍

日本文化介绍 日本的花道 在四季分明的日本,开放着各种四季不同的鲜花。

人们不仅仅把鲜花简单地摘下装饰一番,而且要设法表现一种艺术观念,由此而产生了插花艺术。

这种艺术再现了自然风貌,或者将鲜花的素材结构与天、地、人的形态相结合,持这种花道观念的流派很多。

插花艺术按照时代的需要,产生了各种各样的形式,今天仍然保持生命力的有:立花、生花、投入插花、盛花。

其流派有2000-3000种,最大的流派要数池坊,据说弟子有100万人。

其次是小原流、草月流等。

立花 书院壁龛的装饰花,是池坊专庆在室町时代创造的。

采用的是松树、桃花、竹子、柳叶、红叶、扁柏等,采取在瓶口直接插入灌水的形式,所以称作立花。

生花 江户时代中期,作为招待客人的生花已经诞生,它主要放在壁龛上。

和投入法、盛花不同,插花的器具象征着大地,主要不是表现草、花局部的美,而是表现草木伸展开来的生命力。

投入插花法 在深深的花器里插上花枝,使它保持自然形态,就象是随意投入似的,所以取这个名称。

有吊在壁龛上的,也有挂在柱子上和放在壁龛下面3种形式。

盛花 用水盘或篮子,将鲜花装满这些器具,由此而得名。

明治末期,由于西洋花的栽培和西洋建筑的增加,才想出这种不限于壁龛装饰的盛花插花法。

流派有小原流、安达式等,盛花可以说是现代插花艺术的主流。

日本茶道 茶原产于印度,与佛教同时传s=innerlink>中国。

日本茶道茶初次传到日本是奈良时代,由遣唐使们带来的。

一度衰落的茶,到了镰仓时代,再度广泛兴起,室町时代在足利义政将军的带领下,村田珠光开始了在铺着4张半榻榻咪上的制茶方式,成为了茶道。

在庭园或寺院内,设一个临时的茶席,当然也可以搞一个室外饮茶的仪式,但对茶道来说,茶室是不可少的。

点茶称作“点前”,它的次序是在茶碗里放上末茶,倒进开水,然后用搅和茶叶末的小圆竹刷搅和起泡沫。

喝的时候,是用右手拿起茶碗,放到左手掌上,再把茶碗从对面向身前转。

喝了之后用手指抹一下,手指是用随身备用的白纸擦。

不过,茶道不仅仅只是饮茶,其根本的意义在于欣赏以茶碗为主的茶道用具、茶室装饰、茶院子,以及主客之间心灵的交流。

茶道规则解释为“四规七则”。

所谓“四规”,即和敬清寂,和敬是在茶会上宾主之间的规则;清寂指的是茶室、茶院子的清洁、闲适的气氛。

“七则”是用于接待客人时的准备工作,“要把茶的味道点好;炭火合适,要烧到水开;茶水是冬暖夏凉;花要象在野外一样放入;时间以早为宜;即使不下雨,也要准备好雨具;一切为客人着想”7条秘诀。

唐代陆羽着「茶经」之后,品茶就由寺院走向民间,出现了文人茶。

奈良时代与平安时代,日本流行的「团茶」就是唐代文人茶所用的一种茶。

制作「团茶」的方法并不难,只要把茶叶搞干,用茶臼捣成粉末,放一点水揉成球状,干燥后储存备用。

平安中期(九世纪未),日本废除了遣唐使,「团茶」也因之而渐渐消失,代之而起的是宋代盛行的「抹茶」。

「抹茶」的制作方法是把精制的茶叶用茶臼把捣成粉末状,喝的时候往茶粉内住入水,用茶筅(竹刷)搅均后饮用,既有营养,也具品味。

镰仓初期(十三世纪),名僧荣西大师二次往中国,回日本后就开辟了茶园,并著作了「饮茶养生记」,极力宣扬饮茶益寿延年,推动了「抹茶」的普及。

宋代开创了「斗茶」,「斗茶」最早是以游艺的形式出现在文人雅士之间。

「斗茶」会的茶室一般为二层建筑,当时称作「茶亭」。

客人先在楼下「客殿」等候,待到茶亭主人邀请,再到二楼「台阁」斗茶。

「台阁」四面有窗,可眺望户外景色。

室内的屏风上挂著名家的画,屏风前的桌上铺着识锦,上面放着香炉、花瓶和烛台。

西厢房内放置一对饰柜,里面堆满奢华的奖品,胜者即可成为奖品的主人。

「斗茶」采用「四种十服」方法,参赛者每人饮十服四种抹茶,然后说出茶的「本非」和「水品」,按得分多少决定胜负。

茶的「本非」意即本地茶叶和非本地茶叶,「水品」是指冲茶所用水的水质,亦即水的出处。

从南北朝(1336年)到室町中期(十五世记中叶),「斗茶」的方法及茶亭几乎完全模仿中国。

可是,室町中期以后,中式茶亭遭废除,改用举行歌道和连歌道的会所。

「斗茶」的趣味也逐渐日本化,人们不再注重豪华,而更讲究风雅品味。

于是出现了贵族趣味的茶仪和大众化的品茶方法。

珠光制定了第一部品茶法,因此被后世称为「品茶的开山祖」,珠光使品茶从游艺变成了茶道。

珠光流茶道历经几代人,到了室町末期,出现了一位茶道大师千利休,千利休创立了利休流草庵风茶法,一时风靡天下,将茶道发展推上顶峰,千利休被誉为「茶道天下第一人」,成了茶道界的绝对权威。

千利休在民间的人望威胁到了当政者的权威,将军丰臣秀吉籍口平乱,颁布 了士农工商身分法令,以莫须有的罪名勒令千利休切腹自杀。

千利休死后,其后人承其衣钵,出现了以「表千家」、「里千家」、「武者小路千家」为代表的数以千计的流派。

茶道各流派基本上都采用抹茶法,但是到了江户初期(十六世纪末叶),在文人学士中掀起了中国明代开创的煎茶法热...

莫奈的画

莫奈 (Claude Monet, 1840-1926)1840年生于巴黎,童年在阿弗尔渡过。

他没有按照画家的常路走,他最初小有名气是因为他的木炭漫画,这些画开价十至十二个法郎。

在诺曼底的海滩上,他遇到了艺术家欧仁·布丹(Eugene Boudin,1824-1898),他后来成了莫奈的良师益友并教授他学会画油画。

布丹曾对莫奈说“当场画下的任何东西,总是有一种以后在画室里所不可能取得的力量、真实感和笔法的生动性。

”莫奈在他今后的绘画生涯中也是按布丹说的话去做的,因为在他的内心里充满了对大自然的热爱。

不久,莫奈又被荷兰的画家约翰·巴托尔·德·琼康的创作所吸引。

这位画家以动荡、兴奋、活泼而且比他同时代的法国人更为活跃的笔触画小桥、村景、河岸和破旧的茅草屋。

莫奈就是从布丹和琼康那里接受到了基本艺术修养的。

1840年10月14日,莫奈生于法国巴黎。

父亲库路多、阿多洛夫、莫奈是一位商人,在法国北部港口阿弗尔与他的姐夫合伙经营着一家仪器店。

莫奈5岁时。

来致函父亲的身边。

在当地就学后,他将学校视同牢狱,在悬崖和海边嬉戏的时光多于听课,故此学习成绩不佳,在班上总是排在倒数几名的位置上,这个孩子唯一的爱好是绘画,他常常在笔记本上作素描,以老师和同学为对象画漫画,日积月累,倒也掌握了一些绘画技巧。

不过,父母对此不赞成。

小莫奈乐此不疲,加上与生俱来的秉赋,几年过后,他的漫画居然开始在文具里展出并且出售。

15岁的时候,莫奈在当地已小有名气,他为自己作品开出的 格是每幅20法郎。

经过画商的介绍,这位少年画家被专门描绘海上风光的画家布丹所看中,二人从此结识。

布丹动员他“学习用油画和素描来画风景”,乍开始莫奈并没在意,甚至是找借口有礼貌地加以拒绝。

由于布丹的一片诚心,终于感动了这位少年。

自学成才的布丹,习惯于在露天作画,他主张“一定要去寻找自然的纯朴的美”、“要顽强地保留最初的印象”。

对此,莫奈也深以为然,因为在他的内心里也充满了对大自然的热爱。

从1858年起,莫奈开始从布丹那里接受了有同于学院派的绘画思想,学习并动笔画外光画。

布丹所强调的:要特别注意对所描绘对象的第一印象、要注意光。

更是在他的心中深深地扎下了根。

就在二人一起到户外作画的过程中,莫奈创作了一些有关阿弗尔港、海港、日出、海上小船等题材的作品。

其中的1幅还与布丹的4幅作品一起在鲁昂的展览会上展出。

在布丹的建议下,莫奈于1859年5月到了巴黎。

在巴黎,他看到了特罗容、杜比尼、柯罗等人的作品之后,极为赞赏。

经布丹介绍,莫奈与巴比松画派的画家有了接触,认识了该派代表人物之一的特罗容。

特罗容提醒他“道德要进一个专门画人体的画室,要学习素描”,要“常常到乡村去画速写”。

1860年,莫奈进了斯维赛学院,练习人体写生。

这个所谓的“学院”,不过是一间画室,斯维赛是它的主人的名字,这里既不讲课,也没有考试,只要交上一点钱,就可以画人体模特儿。

在这里,他接触到了后来成为印象派的一些画家,比如毕沙罗等。

在这里,还创作了一些风景画。

这一年的秋天,经抽签决定莫奈需服兵役。

此时,其父提出只要服从父母的意愿,安心在家做生意,就可以出钱雇人替他从军。

莫奈对此毫不理会,毅然参军,入伍后被编入法国的非洲军团。

不久,即随军到了阿尔及尔。

在画家的眼里,非洲的景色与光线是美丽迷人的,经过部队的允许,他得到了可以作画的时间,在那里,他曾为队长的夫人画了肖像。

1862年初,因为贫血,莫奈从军营回到阿弗尔家里养病。

这时他认识了荷兰画家琼康,并与琼康入布丹一起从事创作。

布丹作画的纤细,琼康对动感的重视,以及二人注意捕捉第一印象的画风,都给这位初出茅庐的画家留下了深刻的印象。

由于医生提出警告,如果莫奈回到非洲,将对他的身体极为不利,11月间,莫奈的父亲向当局提出了免除独生子兵役的申请,在交付了一定的费用之后,莫奈再次到了巴黎。

并进入了古典派画家格莱尔的画室。

在画人体的习作中,格莱尔要求大家按照古典的范画来修正自己的作品,要将人体描绘的尽量完美。

莫奈则坚持准确、真实地反映模特儿的特点。

他的主张得到了同室的巴齐依、雷诺阿、西斯莱的赞同。

这一年举办的沙龙落选画展中,莫奈看到了马奈的作品之后,受到了震动和启示。

在1863年,借复活节的休假之机,莫奈将同窗的画友带到了巴黎南郊巴比松村附近的枫丹白露森林,在那里进行创作。

在外光下,大家创作了一批具有巴比松风格的作品。

1864年,莫奈与这些画友离开了格莱尔的画室。

来到了昂弗勒作画。

在这里,莫奈的两幅描绘塞纳河的风景画《落潮的埃沃海角》与《昂弗勒港》,由于不同于学院派的造作手法,被选入1865年官方沙龙。

这一年里,他在枫丹白露开始了大幅油画《草地上的午餐》的创作该作品于1866年问世。

在总结了马奈同名作品在“沙龙落选画展”上引起的争议的基础上,莫奈是在画景之后才描绘的人物。

画面上的人物朴实无华,具有自然的动感,显示了画家的现实主义功力。

1866年,以恋人卡缪为模特儿,全身大幅肖像画《绿衣女》在同年...

我拿到手汉王创艺大师三代绘画板,我朋友话1980买的还挺贵<br?

楼主搞错了吧,她不是绘画的。

舒惠娟,艺名舒宏,女,1945年6月生,江西南昌人。

她是中国陶瓷艺术大师/江西省工艺美术大师,1968年毕业于景德镇陶瓷学院美术系本科,一直在轻工业陶瓷研究所从事陶瓷美术创作,致力于陶瓷装饰与材质机理多方位结合的探讨、研究,以人物仕女结合装饰见长。

她的作品多次参加国内外工节美术展评,“玫瑰园”、“群英苍萃”和“秦香莲”等陶瓷作品分别获国家,省、市级奖,“武士”陶艺参加日本第一届亚洲工艺展获特别奖,1990年应邀赴香港举办联展,被载入《中国当代美术家名人录》、《中国当代艺术界名人录》等书典。

舒惠娟的釉上人物呈现一种现代与传统融合的明显特征,在人物造型特别是女性人体美的表现上吸收了许多现代绘画的技法,同时他又把传统花鸟画面构成人物的背景、点缀或装饰。

她作品的成功之处在于她充分发挥了她所谙熟的传统花卉画的特长,在构图上使人物与花卉交织成一片绚烂的云锦。

她设色古雅而热烈,保留着传统的格调。

同时也给观者自然巧妙的艺术意境。

资料转自博宝艺术网

现在哪种画挣钱 画画分为几级

居室设计的风格是在不同的时代思潮和地域特征下,通过独创的构思和表现,逐步演变成的居室设计形式。

确定居室的总体的格局和情调,就是居室设计的风格。

下面简约介绍常见的居室装饰风格: 1、中式风格。

中国传统的室内设计融合着庄重和优雅的双重品质。

从室内空间结构来说,以木构架形式为主。

如在古建筑中常见的斗拱、梁柱、屏门、漏窗等,在空间组合来说都是平面铺开、对称布置。

现代的中式风格不再显示传统的触目的大屋顶、斗拱、梁柱等结构形式,而是利用了后现代的手法,把传统的结构形式经过重新的设计组合以一种民族特色的标志符号出现。

例如,厅里摆一套明清式的红木家具、墙上装饰画选一些中国山水画等。

传统的书房里自然也少不了书柜、书案以及文房四宝。

传统书房除读书用家具处还可以有一套会客用坐椅。

书房的装饰一般比较讲究。

这里显示着主人自身的学识与才华。

传统的客厅迎面的墙上悬挂中堂画轴与对联,下设长形条案与八仙方桌,左右各一把高靠背的椅子,靠近门口的两侧多摆有靠背椅及茶桌是客人落座交谈之处。

左右两侧的居室与客厅多用大型落地屏风分隔。

2、日本风格。

也就是常说的和式。

和式装修常见的造型比较简洁明快。

日本人的装修比较注重传统文化氛围的营造!在现代和式中比较注意根据地方气候、风土来安排居室。

使住宅努力追随大自然的阳光、风和绿色。

在充满着木材纸张(糊于移门窗扇上)天然材料的特殊气息所形成的氛围中,足踏着塌塌米盘膝而坐,无拘无束地交谈……长方形的线条、自然的色调与植物柔和的色彩给人以平静和美的感觉。

3、欧式风格。

(1)巴洛克风格。

17世纪“巴洛克风格”盛行欧洲,其艺术特征是打破文艺复兴时期整体的造型形式,强调线形流动的变化,将室内雕刻工艺集中在装饰和陈设艺术上。

色彩华丽且用暖色调加以协调,变态的直线与曲线相互作用以及猫脚家具与装饰工艺手段的运用构成室内华美厚重的气氛。

它在形式上以浪漫主义为基础,在构思上与古典主义的端庄、高雅、静态、理智针锋相对,常用大理石、华丽多彩的织物、华贵精美的地毯、多姿曲线的家具、精美的法国壁毯,使得室内显示出豪华、富丽的特点,充满强烈的动感效果。

(2)洛可可风格。

比起巴洛克样式的特点,洛可可以其不均衡的、轻快纤细的曲线著称,是皇宫贵族为得到舒适、私密的室内空间而追求的典雅、亲切的室内装饰效果形成的。

“洛可可”一词源自法国宫廷中贝壳、岩石制作用的假山“洛卡”。

洛可可式样多以花鸟、贝壳为题材,并为适应宫廷的异国情趣要求而在室内采用了大量中国式装饰,使得室内具有过多的装饰和华美的效果。

现代的欧式风格是取其原来风格的主要元素和符号,如柱子、线角等,在室内合理的应用,达到一定的欧式效果。

4、个性风格。

个性的体现是室内设计不可忽视的一个方面。

因为不同的职业、不同的年龄层次、不同的经济状况……对室内的风格都会有不同地要求。

从事文化工作的人希望在风格中融合居住者的思想和文化;工薪层的市民注重功能的需求;经济成功的人士,往往希望显示自己的豪华与富贵;新婚的夫妻则追求温馨和甜美;儿童房则追求无拘无束的感觉和孩子的梦想。

5、现代风格。

室内装饰的现代派大师赖特提倡“有机建筑”,要求室内设计与建筑设计协调一致。

不仅满足现代生活需要,而且强调艺术性。

在力图摆脱折衷主义的框框下,走上体形组合的道路,创造了新的建筑室内构图手法。

他的设计具有传统的精神和韵味。

6、后现代风格。

它宣称“建筑就是装饰起来的掩盖物”,反对现代主义“少就是多”的观点,使得室内设计繁多复杂。

它通过传统建筑元件以新的手法加以组合,最终求得设计语言的双重译码。

既为行家欣赏,又为大众喜爱。

多用夸张、变形、断裂、折叠、二元并列等手法,在环境艺术的表现上具有刺激性,使人有舞台美术的视觉感受。

现在人们说的最多的就是“简约”风格。

那到底什么是简约风格呢?我问过很多设计师,也查了大量的相关资料,总结如下:简约——Less is more简约主义的精神主要源自于二十世纪初期的西方现代主义。

现代主义建筑大师Mies Van der Rohe的名言:“Less is more”可以说是简约主义的中心思想。

此风格的特色

京都和东京

不是一个地方。

日本首都东京(Tokyo)是一座现代化的国际城市,位于本州关东平原南端,下辖23个特别区、27个市、5个町、8个村以及伊豆群岛和小笠原群岛,总面积2155平方公里,人口1254万,是世界上人口最多的城市之一。

500多年前,东京还是一个人口稀少的小渔镇,当时叫作江户。

1457年,一位名叫太田道灌的武将在这里构筑了江户城。

此后,这里便成了日本关东地区的商业中心。

1603年,日本建立了中央集权的德川幕府,来自日本各地的人集中到这里,江户城迅速发展成为全国的政治中心。

据记载,19世纪初,江户的人口已超过百万。

1868年,日本明治维新后,天皇由京都迁居至此,改江户为东京,这里成为日本国的首都。

1943年,日本政府颁布法令,将东京市改为东京都,扩大了它的管辖范围。

东京繁华街头上的行人 东京是日本全国的政治中心。

行政、立法、司法等国家机关都集中在这里。

被人们称为“官厅街”的“霞关”一带聚集着国会议事堂、最高裁判所和外务省、通产省、文部省等内阁所属政府机关。

过去的江户城,现在已成为天皇居住的宫城。

东京也是日本的经济中心。

日本的主要公司都集中在这里。

它们大多分布在千代田区、中央区和港区等地。

东京同它南面的横滨和东面的千叶地区共同构成了闻名日本的京滨叶工业区。

主要工业有钢铁、造船、机器制造、化工、电子、皮革、电机、纤维、石油、出版印刷和精密仪器等。

东京金融业和商业发达,对内对外商务活动频繁。

素有“东京心脏”之称的银座,是当地最繁华的商业区。

东京著名的新宿区在日暮下的景色,远处可见富士山的剪影 东京还是日本的文化教育中心。

各种文化机构密集,其中有全国百分之八十的出版社和规模大、设备先进的国立博物馆、西洋美术馆、国立图书馆等。

座落在东京的大学占日本全国大学总数的三分之一,在这些大学就读的学生则占全国大学生总数的一半以上。

东京作为一个国际性的大都市,还经常举办各种国际文化交流活动,如东京音乐节和东京国际电影节等。

东京的交通很便利,时速达200公里的新干线,从东京延伸到九州,并向东北方面延伸。

地下铁道几乎能到达所有的重要地区。

铁路、公路、航空和海运组成了一个四通八达的交通网,通向全国及世界各地。

1979年3月14日,东京与北京结为友好城市。

日本历史古都、佛教中心、神道教圣地、文化艺术摇篮、著名旅游城市、京都府首府——京都,位于本州岛中西部,坐落在京都盆地北部,东距日本第一大湖琵琶湖仅5千米,东、西、北三面环山,气候温和,雨量充沛,市区林木郁郁葱葱,郊区田野格外翠绿。

京都有1000多座寺庙、60座花园、三座皇宫。

神殿古庙、皇宫御园分布在起伏的街道两侧,错落有序,交相辉映,使京都保持着浓郁的古都风貌。

京都以其悠久历史、文化风采,满城的幽雅景致与独特的宁静气息向世人展示了它的“和”风之美。

千年古都 京都旧称平安京,从平安时代的桓武天皇于公元794年定都京都,到1869年明治天皇迁都江户(即现在的东京),京都为日本历史上唯一一个千年古都。

精巧细致的京都人文与景观,一直是日本文化的象征。

日本城市中,京都受到中国历史与民俗的影响最深远。

其城市建设模仿中国古时的洛阳和长安,即使是在现在,“来京都”也被日本人称作是“入洛”。

京都的东南西北中五个部分,也被习惯称为“洛东”、“洛南”、“洛西”、“洛北”和“洛中”。

“洛”即洛阳,取“一国之都,一邦之中央”之意。

京都御所 京都御所是日本的旧皇宫,又称“故宫”。

从奈良迁都至此到明治维新时期的迁出,其间1000余年中它一直是历代天皇的住所,后又成了天皇的行宫。

京都皇宫位于京都上京区,前后被焚七次,现在的皇宫为孝明天皇重建,面积11万平方米,四周是围墙,内有名门9个、大殿10处、堂所19处,宫院内松柏相间,梅樱互映。

金阁寺 金阁寺,原为大臣西园寺恭经的别墅,公元14世纪时,为足利义满将军所有。

足利义满死后,根据其遗言改为禅寺,取名鹿苑寺。

金阁寺为三层建筑,第二、三层的外墙用金箔贴成,远远望去,金光闪闪,故名“金阁寺”。

三层高的金阁寺,每层都象征着不同时代的风格:第一层是平安时代,第二层是镰仓时代,第三层是禅宗佛殿的风格。

塔顶尾部装饰着一只金铜合铸的凤凰,堪称一绝。

寺前是以镜湖池为中心的庭园,身影华丽的金阁倒映在镜湖池中的景观是京都的代表性景观。

银阁寺 银阁寺位于京都东山山麓,1482年由足利义满的孙子足利义政按金阁寺造型修建,与金阁寺齐名。

银阁寺原来也是别墅,兴建时曾计划把外壁饰以银箔,但建造完成时未镀上银箔,改名慈照寺,俗称银阁寺。

银阁寺是一座精致的两层阁楼:第一层称为心空殿,居住式样,供坐禅修道之用;第二层称为潮音阁,为禅宗佛堂,供奉着观音菩萨。

作为室町时代东山文化代表的银阁寺,无论在京都或是在全日本的庭园建筑艺术中,都享有盛名。

银阁寺是传统居住和寺庙建筑的结合体,与周围的庭园景色相呼应,体现了它独有的清净和幽雅,与金阁寺的绚丽奢华形成了鲜明的对照。

清水寺 同样位于东山山麓的...

日本化妆品比较有名的品牌有那些?

资生堂的,日本价格适中,国内比较贵。

植村秀,日本跟国内价格都很贵。

嘉娜宝, 日本价格很便宜,国内也还好。

DHC,日本占有率不高,网购偏多。

国内目前店面在迅猛扩张狂态。

价格不算贵了。

曼秀雷敦,日本,国内都不算贵的品牌。

偏药妆。

三宅一生,香水不算便宜。

我就知道这几个牌子了,貌似还有很多。

现代陶艺作品~~急 我要图片和介绍

现代陶艺创作方法初探编辑: | 来源:中国陶瓷信息资源网 | 标签:现代陶艺创作方法初探 | 发布时间:2007-9-10所谓陶艺,它返指陶瓷日用品陈设品的造型、釉色和装饰等所呈现的艺术特点,也专指陶器和瓷器的艺术瓷,而现代陶艺是介于雕塑、绘画和建筑之间的一种新文化表达方式,是传统陶瓷艺术的延伸、扩展和蜕变。

所谓陶艺,它返指陶瓷日用品陈设品的造型、釉色和装饰等所呈现的艺术特点,也专指陶器和瓷器的艺术瓷,而现代陶艺是介于雕塑、绘画和建筑之间的一种新文化表达方式,是传统陶瓷艺术的延伸、扩展和蜕变。

在现代艺术中,陶艺已作为一个独具品格的艺术门类,日益受到人们的关注和重视。

无论东方还是西方,现代陶艺以其特有的艺术语言、艺术创作过程极其价值,开辟了现代艺术的新天地。

它不同于绘画,也不同于雕塑。

它从传统中走来,但人们更多注重着它的现代品质。

陶瓷自古以来,都以日常用品的形式存在,随着后现代主义画家的眼光和视野日益开阔,绘画的媒介越来越丰富,从单一的画布和画笔发展到多样化材料的运用。

许多艺术家神往所谓“质地”:一种物质感,光滑或粗糙,透明或稠密,所以他们在普通颜料中加入别的材料,例如泥团、锯末或沙子等,绘画渐渐从平面走向立体,形成了介于绘画和雕塑之间的制品。

陶土以其能塑能画,且在与火的结合过程中体现出或绚丽、或质朴、或沉移、或张扬的多边性格,使绘画大师毕加索、米罗等也参与陶艺创作,米罗强调开发陶瓷材料自身的美感,使用肌理效果的对比,再加上与造型相协调的纹饰,使人感到一种朴实无华的亲切感而难以忘却。

而毕加索在一些盘子上熟练地运用了化妆土、洒粉或浅浮雕等装饰,巧妙地利用陶瓷材料的自然美与人工描绘的装饰美对比。

20世纪50年代以后,几乎所有的在现代美术史上有一席之地的艺术家或多或少都参与过陶艺创作,这些艺术家们的参与,给传统陶艺注入了新鲜的血液,把现代艺术创作思维带入了陶艺创作中,使传统陶艺摆脱了使用功能的限制而走向纯艺术创作和实用陶艺两方面共同发展的道路。

由于陶艺材料中的非理性、非规律的成分,恰恰符合了当时人们从工业化生存环境以外寻求被压抑的情绪宣泄的需求,因此,现代陶艺得以在世界各个国家很快发展起来。

直到20世纪40年代美国皮塔•沃克斯和日本的八木一夫为首的前卫陶艺家的出现,现代陶艺才算是真正产生。

1948年7月以八木一夫、山田光、叶哲夫、松井美介等人发起成立了日本现代陶艺著名团体“走泥社”。

八木一夫开创了无实用性纯造型陶艺的先例,展示了泥土的多样表现力,大大开扩了陶艺创作的视野。

这一系列的实践证明,陶艺创作能使陶艺家个人情感,在泥与火中得以充分发挥,或为艺术家特定的文化背景和自身修养功底的体现。

因此它具备现代艺术的一切功能,也有着现代艺术的表现形式和各类风格样式。

后现代到了20世纪80年代,后现代艺术出现,艺术从“为艺术而艺术”的论调中走出来,成为普通人都能涉足的领域。

陶艺又一次以金、木、水、火、土这最基本的元素组成的亲切和质朴赢得了公众的喜爱,成为大众艺术形式而风行全世界。

各国纷纷设立中小学陶艺课堂,业余陶艺组织,国际性陶艺研讨会,展览等。

中国现代陶艺起步较晚,直到20世纪70年代末至80年代初,现代陶艺开始在中国土地上初步萌芽。

随着改革开放的不断深入,人们的思想观念迅速更新,传统陶艺不再满足现状而寻求与时代同步发展,对外交流的增加使中国陶艺不仅受到西方现代主义的影响,也几乎在同时受到后现代想象的冲击,所以中国的所谓“现代陶艺”从开始就是呈多元化状况发展,而不是纯粹的“现代主义”的陶艺。

现代陶艺是具有现代艺术特征的陶艺,即是“现代工业与科学技术导致的现代视觉的经验,这种经验最终支配人的审美意识而引发现代艺术形式的革命,是现代社会对人的价值的重新审定。

脱离传统宗教与文化束缚的新的人格对人性状况的要求与反思,在艺术上的反映,就是个人主观意志及情感的表现。

如何发展中国本土的现代陶艺,取决于如何看待传统陶艺在现代陶艺创作中的影响。

五千年的陶瓷史所体现的丰富文化积淀,是我们的丰富遗产。

现代陶艺不是无源之水,它是传统陶艺发展变化的当代新形式,是陶艺发展的显阶段产物。

虽然它一部分淡化或取消了陶瓷的实用功能和价值,但在艺术表现上与传统陶艺是相通的,即都表达了社会一种既共性又前卫性的审美追求。

从陶瓷艺术的整个历史发展和所有基本特质来看,现代陶艺是传统陶艺的个性发展,它变化中有承续,承续中有创造和突变。

值得指出的是,虽然我们看到了现代陶艺和传统陶艺不可否定的内在连接,但不是为不否认现代陶艺在存在方式、艺术形式和整体创造观念上与旧有陶瓷艺术的区别。

现代艺术和社会思潮的推动和影响,现代派艺术大师的界入,现代生活方式变化,使陶艺具有新生新质的一面。

众所周知,现代陶艺与传统陶艺的主要区别是它从过去实用加审美的原则走向纯粹的审美需求同情感表达,它扩充了传统陶艺的审美范畴,把粗砺、残缺、怪异的观念引入陶艺,...

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